Desafiante, provocadora e inspiradora, la danza contemporánea combina lo físico con lo narrativo y lo abstracto con la emoción en un reflejo de las preocupaciones sociales actuales al tiempo que amplía los límites de las artes. Esta lista reúne diez espectáculos emblemáticos que se han labrado un lugar importante en el curso de la danza contemporánea, ya sea por su coreografía radical, su puesta en escena experimental o su gran impronta cultural.

Surgida a mediados del siglo XX como reacción a las rígidas estructuras del ballet clásico y la danza moderna, la danza contemporánea ha pasado a representar, en un mundo cada vez más globalizado, la fluidez y la apertura a la experimentación. Prefiere la colaboración, la integración multimedia y, a veces, la outrightome con preocupaciones políticas sociales sustanciales. Desde obras minimalistas e íntimas a dúo hasta colosales producciones interdisciplinares, estos espectáculos demuestran que el género ha traspasado fronteras y generaciones. Tienen un lenguaje aún más amplio que se sigue moldeando de forma sutil, aunque a veces transformadora.

Compañía Hofesh Shechter

«Political Mother» – Compañía Hofesh Shechter

Tan intenso y primario como un concierto de rock y un ritual, Political Mother es un sombrío viaje cinético a través de conceptos de poder, rebelión y control. La percusión es intensa, la coreografía incluye diseños caóticos y el movimiento es crudo: una mezcla de Shechter. Esta obra cuestiona los sistemas de autoritarismo y el comportamiento dentro de las colectividades mediante movimientos revestidos de una realidad percusiva, a veces dolorosamente antigua y otras inquietantemente pertinente. El éxito de sus giras internacionales dio a Shechter la reputación de ser una de las voces más firmes de la danza política.

«Lluvia» – Anne Teresa De Keersmaeker / Rosas

Inspirada en la música minimalista de Steve Reich, Rain es una auténtica obra maestra estructural. Esta coreografía funciona con repeticiones infinitas, precisión matemática y patrones en espiral que se desarrollan gradualmente para inducir un estado hipnótico. Los bailarines parecen a veces muy individuales y otras veces interdependientes, reflejando los complejos ciclos de movimiento que se entretejen entre sí reflejando siempre los ritmos de la partitura. Básicamente, esta obra representa el enfoque más cerebral y a la vez emocionalmente arraigado que es tan fundamental en el estilo de Keersmaeker, así como el eje a partir del cual surgió la convención europea de la danza.

«No Woman No Cry» – Alain Platel / les ballets C de la B

A través de esta actuación autodirigida, se tocan emociones de dolor, trauma y resistencia. Se produce una colisión entre la línea del gesto en la vida cotidiana y la danza estilizada, provocada por contar con intérpretes no profesionales y con los mejores profesionales. En esta tierra de vulnerabilidad y resistencia, los cuerpos tiemblan, se derrumban y vuelven a ponerse en pie. No Woman No Cry es el regalo de la danza contemporánea: un reflejo del sufrimiento colectivo, con belleza y verdad.

«Sutra» – Sidi Larbi Cherkaoui & Shaolin Monks

Sutra, una colaboración histórica en la que participan el coreógrafo belga-marroquí Sidi Larbi Cherkaoui y los monjes guerreros del Templo Shaolin, es una entidad que entrelaza los hilos de las artes marciales, el movimiento contemporáneo y la escenografía arquitectónica. El escenario está plagado de cajas de madera que se presentan y representan de una manera innumerablemente inventiva: como paredes, como vehículos, como esculturas. Se trata de una amalgama conceptual de varias culturas y disciplinas que reflexiona sobre el equilibrio, la disciplina y la transformación.

«Huellas» – Compagnie Fernando Hurtado

La obra más importante del repertorio de Hurtado explora la memoria, la dicotomía y la desaparición mediante cuadros abstractos. Una representación típica de la estética minimalista pero emocionalmente atractiva de Hurtado serían los casos de quietud yuxtapuestos a la fragmentación y el gesto repentino, que representan situaciones de pérdida personales e históricas. La coreografía procede a menudo del movimiento cotidiano, pero de algún modo lo abstrae en algo crudamente poético. Traces es una meditación silenciosa pero poderosa sobre la ausencia y la resistencia.

«Cero grados» – Akram Khan y Sidi Larbi Cherkaoui

En tándem, ambos colaboran, ahondando en la identidad, el conflicto y la encarnación como modalidades de negociación cultural. En este intercambio intensamente físico y profundamente filosófico, nacido de dos extremos del espectro de la danza (o más bien, mundos aparte): Kathak y danza contemporánea. Los mundos hablan de solos y dúos reflejados; la narración, la quietud y la simetría dan puntuación a su intercambio. Zero Degrees es, sin duda, el momento decisivo de la actuación intercultural en los albores del nuevo milenio.

«Violet» – Meg Stuart / Damaged Goods

En Violet, Stuart abandona la narrativa en favor de la sensación, la resistencia y la duración. Los artistas ejecutan gestos: correr, pulsar, crisparse, una y otra vez, hasta que el agotamiento los envuelve. La obra se convierte en un estudio de resistencia y transformación que pone a prueba tanto a los bailarines como al público. En conjunto, la experimentación física radical y la desorientación introducidas por Stuart siguen teniendo una enorme influencia en el mundo de la danza experimental.

«Mortal Engine» – Chunky Move

El espectáculo multiimagen de la compañía australiana Chunky Move es una mezcla sin esfuerzo de danza y tecnología. El seguimiento del movimiento en tiempo real proyecta efectos visuales que interactúan y responden al movimiento de los cuerpos de los bailarines. El entorno resultante es envolvente, y la luz, los sonidos y el movimiento se convierten en una sola entidad. El compromiso con Mortal Engine es sintomático de la creciente confianza del género en las herramientas digitales en busca de ampliar el límite sensorial de la actuación.

«DePaso» – Compañía Fernando Hurtado

La investigación de Hurtado gira en torno a temas como la migración, la transitoriedad y la búsqueda de pertenencia. El vocabulario del movimiento combina un fluido trabajo de suelo con incidencias de quietud e interrupción abrupta, encarnando la incertidumbre de la dislocación. Evita la narrativa lineal en favor de lo vago y sugerente. Con escaso atrezzo e iluminación, se pide al público que reflexione sobre su interior. Esta pieza sigue siendo una piedra angular en el repertorio de la compañía, representando en todos los sentidos la sutil agenda política y la claridad emocional de Hurtado.

«El espectáculo debe continuar» – Jérôme Bel

Trabajando con el minimalismo y apoyándose a menudo en los aspectos más polarizantes del repertorio contemporáneo, Jérôme Bel deconstruye las convenciones otorgadas a la danza y la interpretación. En The Show Must Go On, se trata de música pop con una vuelta de tuerca: los bailarines interpretan literalmente lo que dice la letra, o bien se niegan en redondo a moverse un milímetro de su sitio. Así, palabras y coreografía evocan la subversión, arruinando cualquier expectativa involuntaria y disolviendo las distinciones entre bailarín, público y espectáculo. Estas provocaciones conceptuales sobre lo que es la danza siguen repercutiendo en el discurso de la representación posdramática.

Resumen

Una recopilación de diez espectáculos ofrece una tentadora visión de la diversidad, el significado y la audacia de la danza contemporánea a escala mundial. Desde lo políticamente cargado a lo técnicamente ingenioso, cada uno representa un paso hacia la comprensión de lo que la danza es capaz de expresar y de cómo es capaz de forjar una conexión entre las personas. Ancladas en cualquier cosa entre el movimiento abstracto y la colaboración teatral, o las situaciones problemáticas y las soluciones relativas a cuestiones socioculturales, las obras de danza han seguido siendo relevantes tanto en los círculos artísticos como en los públicos.